28 Giugno 2022 14:38


Il Metropolitan Museum of Art ha acceso un fervore per le mostre di moda grazie a eventi di successo come gli spettacoli annuali del Costume Institute e lo stravagante Met Gala. Quest’estate, il museo ha il maggior numero di oggetti di moda in mostra nella sua storia: in esecuzione contemporaneamente sono In America: A Lexicon of Fashion, inaugurato a settembre 2021, In America: An Anthology of Fashionpresentato a maggio, e Kimono Style: The John C. Weber Collectionche ha aperto al pubblico la scorsa settimana.

Quest’ultima, una mostra guidata dal dipartimento di arte asiatica del Met, con prestiti del Costume Institute, presenta 60 esempi di kimono accanto a costumi teatrali giapponesi, abiti da battaglia, dipinti, stampe e arti decorative. La mostra riflette la crescente enfasi del museo sugli spettacoli interdipartimentali, che pone sfide quando si tratta di abiti che possono essere classificati come regionali o etnografici. Le collezioni di costumi dei musei sono state a lungo criticate come eurocentriche e, di conseguenza, i kimono sono spesso eccessivamente semplificati, persino stereotipati, nella loro presentazione.

“Non mi piace l’idea della designazione del kimono come ‘costume nazionale’ perché blocca il kimono nel tempo”, afferma Monika Bincsik, curatrice associata di Diane e Arthur Abbey per l’arte decorativa giapponese, che ha co-curato la mostra con Karen Van Godtsenhoven, precedentemente curatrice del Costume Institute.

Il quadro curatoriale della mostra ha cercato di trasmettere il complesso e in continua evoluzione del sistema moda giapponese, la cui diffusione delle tendenze è parallela a quella dei paesi occidentali. Organizzata cronologicamente e tematicamente, la mostra ripercorre il kimono del periodo Edo (1615–1868), quando leggi suntuarie e gerarchie sociali dettavano l’abbigliamento; al periodo Meiji (1868–1912), quando i gusti e le tecnologie occidentali (macchine per ringhiere in seta e tinture all’anilina, per esempio) rendevano l’indumento più accessibile; fino alla fine del 20° secolo, quando le dinamiche sociali sono cambiate e le donne sono entrate nel mondo del lavoro, e quando il kimono è diventato un veicolo per loro per affermare la propria azione e gusto.

La globalizzazione e l’esposizione all’abbigliamento giapponese, principalmente attraverso stampe xilografiche, hanno portato a un diffuso fascino per il kimono all’inizio del XX secolo. Proprio come la silhouette e il taglio liberatori del kimono, ovvero il concetto di creare un capo da un unico pezzo di tessuto, hanno influenzato la couture di Paul Poiret e Madeleine Vionnet, i produttori giapponesi hanno incorporato immagini occidentali, che vanno da fiori stranieri, come rose e tulipani, a motivi geometrici ispirati ai dipinti di Piet Mondrian e persino a Topolino.

“L’incontro del kimono con la moda occidentale ha agito da catalizzatore per molti importanti cambiamenti nel nostro guardaroba contemporaneo”, afferma Van Godtsenhoven. “Questi includono abbigliamento neutrale rispetto al genere, taglie universali democratiche e ampie, un atteggiamento sostenibile nel rispetto di tessuti e materiali e libertà di movimento per chi lo indossa”.

Al centro della collezione di Weber, questi kimono prêt-à-porter furono prodotti per la prima volta intorno agli anni ’20 e venduti nei grandi magazzini giapponesi, che modellavano le loro tecniche promozionali – pensate ai cataloghi stagionali – su quelli di Wanamaker’s a Philadelphia e Harrods a Londra.

L’ultima sala della mostra si concentra su ensemble contemporanei di designer giapponesi, tra cui Rei Kawakubo e Yohji Yamamoto, e talenti occidentali, come McQueen e Cristobal Balenciaga. Bincsik ritiene, tuttavia, che le loro interpretazioni del kimono siano fondamentalmente diverse, affermando: “A differenza dei designer occidentali, quelli giapponesi hanno già familiarità con la struttura del kimono, quindi tendono ad essere più filosofici nel loro approccio. Si tratta di come il kimono può portare a nuove idee”. Introdotta nel 1997, la rivoluzionaria linea “A Piece of Cloth” (A-POC) di Issey Miyake, ad esempio, consentiva ai clienti di creare i propri capi da un tubo di tessuto tagliando lungo le cuciture puntinate pre-lavorate.

Immerso nella sobria serenità delle gallerie giapponesi, dove si sente il delicato rivolo di Water Stone (1986) di Isamu Noguchi, Kimono Style offre un’esibizione di abiti più contemplativa e mirata rispetto alle mostre spesso eccessivamente stimolanti verso cui molte istituzioni stanno virando . Proprio come il kimono stesso, il potere dello spettacolo è il suo equilibrio tra semplicità intelligente e infinite possibilità di interpretazione.

Lo spettacolo sottolinea la crescente popolarità delle mostre di moda nei musei. Le mostre del Costume Institute al Met, ad esempio, hanno attirato sempre più visitatori nel museo enciclopedico. La mostra Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination del 2018, tenutasi nelle sedi della Fifth Avenue e dei Cloisters, è stata la mostra più frequentata nella storia del museo, attirando oltre 1,5 milioni di visitatori. Altri due spettacoli del Costume Institute figurano anche nella top ten del museo: China: Through the Looking Glass del 2015 e Manus x Machina: Fashion in an Age of Technology del 2016.

“Storicamente, le mostre e le collezioni del Met tendono a concentrarsi su particolari aree di competenza e all’interno di un canone storico artistico in qualche modo tradizionale”, dice a The Art Newspaper Max Hollein, il direttore francese di Marina Kellen del museo. “Le mostre che sono collaborazioni tra diversi dipartimenti e che collegano un’area diversificata di voci ed esperti invitano a modi nuovi e più ampi di presentare l’arte”.

Stile kimono: la collezione John C. WeberThe Metropolitan Museum of Art, New York, 7 giugno-20 febbraio 2023

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