29 Giugno 2022 18:37


All’anteprima stampa della 12a edizione della Biennale di Berlino, che si apre domani (fino al 18 settembre), il capo curatore Kader Attia ha detto ai telespettatori che durante la pianificazione della mostra gli è venuta in mente una domanda. “Senza pretendere che una mostra d’arte possa cambiare il mondo, come potremmo contribuire a riorientare solo leggermente la percezione del mondo?” chiese l’artista franco-algerino.

La sua risposta è l’edizione più audacemente storica e politicamente carica della Biennale, che sembra prendere la sua visione dalle parole dello scrittore James Baldwin: “Gli artisti sono qui per disturbare la pace. Altrimenti, il caos”.

Per raggiungere questo obiettivo, Attia ha lavorato a stretto contatto con un team curatoriale internazionale di donne, tra cui Ana Teixeira Pinto, Do Tuong Linh, Marie Helene Pereira, Noam Segal e Rasha Salti. Con 70 artisti e collettivi che espongono le loro opere in sei sedi, la mostra Still Present! non evita discussioni necessarie e spesso scomode. E al centro della scena c’è il ruolo del capitalismo nel conflitto globale, con un’attenzione particolare alla decolonizzazione e alla crisi climatica.

Fondata nel 1998, la Biennale di Berlino è la più importante mostra d’arte della capitale tedesca, seconda solo nel Paese al quinquennale Documenta. Quest’ultimo, che avrà luogo il 18 giugno, è alle prese con una lite per affermazioni di antisemitismo e razzismo anti-palestinese, nonché per atti di vandalismo e minacce di morte nei confronti di un collettivo di artisti palestinesi che vi espone.

All’ombra di questa ricaduta, la domanda sulla bocca di tutti è come una mostra d’arte tedesca possa conciliare il tema della decolonizzazione con l’elefante nella stanza: la Palestina. La risposta, a quanto pare, è di non evitarlo. In effetti, l’argomento carico è affrontato frontalmente da numerosi artisti nella mostra, tra cui il duo palestinese-americano Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme, Dana Levy, di origine israeliana e il collettivo Forensic Architecture, guidato dall’israeliano- Nato architetto Eyal Weizman.

Il lavoro di Abbas e Abou-Rahme Oh Shining Star Testify è un video a tre canali e un’installazione sonora a due canali composta da filmati CCTV presi da una telecamera di sorveglianza militare israeliana. Il 19 marzo 2014, il quattordicenne Yusuf Shawamreh ha attraversato la barriera di separazione eretta dall’esercito israeliano per cercare l’Akoub: una pianta commestibile che è una prelibatezza nella cucina palestinese. Dopo aver attraversato la recinzione, le forze israeliane gli hanno teso un’imboscata e gli hanno sparato a morte.

Nel frattempo, il lavoro di Dana Levy collega l’occupazione politica delle terre palestinesi al degrado ecologico. Il suo pezzo consiste in documenti, fotografie e mappe che osservano l’offuscamento della Linea Verde, la linea dell’armistizio che separava Israele dalla Cisgiordania e Gerusalemme Est prima della guerra del 1967.

E Air Conditioning di Lawrence Abu Hamdan è una stampa digitale panoramica per la quale ha minuziosamente compilato i dettagli della sorveglianza militare israeliana sul Libano durante un periodo di 15 anni. Il risultato sono file di nuvole minacciose simili a cartoni animati in nero e grigio su uno sfondo azzurro. Ogni giorno è rappresentato da 1 cm di lavoro, con ogni anno scritto sul pavimento di fronte.

L’artista di Beirut ha realizzato questo lavoro alimentando i dati attraverso un software di animazione 3D che crea formazioni di nubi artificiali per videogiochi e film. Il risultato è una sintesi di data journalism, policy research e arte. Nel crearlo, reimmagina uno spazio naturale trasformato in un “ambiente prodotto e militarizzato in cui vivi”, dice. Uno che è una minaccia sia fisica che ecologica. “L’altezza della nuvola dipende dal numero di aerei che si trovavano nell’atmosfera quel giorno”, aggiunge Abu Hamdan. “Lo spessore della nuvola, il tipo di fioritura della nuvola, è creato da quanto tempo trascorrono nella atmosfera”.

Dall’altra parte della città, presso il KW Institute for Contemporary Art, una minuscola scultura in topless dell’artista dello Sri Lanka Deneth Piumakshi Veda Arachchige raffigura una donna marrone che tiene in mano un teschio. Drappeggiato in un sarong bianco e blu stampato con fiori, guarda dritto davanti a sé e sembra spaventata. Scarabocchiate in tedesco sui suoi seni ci sono le parole “Colore del petto leggermente più scuro di VII” e “Mercoledì [a Sri Lankan indigenous minority] di sangue abbastanza puro”. Secondo Arachchige, che si è stampata in 3D per realizzare la scultura, questi erano i termini usati dagli scienziati per classificare, oggettivare e valutare i corpi marroni. In un momento in cui statue e monumenti vengono rovesciati e messi in discussione in tutto il West, Self-Portrait as Restitution sfida le narrazioni dominanti e radicate sull’identità.

All’interno della propria pratica artistica, Attia si concentra sul concetto di riparazione. “Mi viene spesso chiesto: cosa viene dopo il pensiero decoloniale? Francamente, sono meno preoccupato per ciò che verrà dopo che per il fatto che questa è una conversazione in corso nel qui e ora”, ha detto in una nota.

Allo stesso modo, la Biennale di Berlino riesce provocando un impegno intellettuale con ciò che non va nel mondo e perché, dimostrando che gli artisti possono e devono disturbare la pace, altrimenti, come diceva Baldwin, “il caos”. Ma, come prefigurava Attia con la sua domanda curatoriale iniziale, resta da vedere come questi cambiamenti si manifestino.

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