29 Giugno 2022 21:48


Wangechi Mutu e prospettive: Brandon Ndife
Fino al 7 novembre allo Storm King Art Center, 1 Museum Road, New Windsor, New York

Lo Storm King Art Center nello stato di New York ha dedicato la sua principale mostra stagionale allo stimato artista keniota-americano Wangechi Mutu. L’artista ha popolato un punto focale del parco delle sculture noto come “collina dei musei” con otto sculture in bronzo di grandi dimensioni, tra cui l’antropomorfo Crocodylus (2020) che fonde una figura femminile e un coccodrillo, e sembra sorvegliare il parco con un regale qualità — e la fontana In Two Canoe (2022) che raffigura due figure che si fondono con l’ambiente naturale. La parte interna della mostra presenta diverse nuove sculture realizzate principalmente con materie prime e due film che esplorano i riferimenti mitologici nella pratica di Mutu, intitolati My Cave Call (2021) e Eat Cake (2013). E come parte del suo programma Outlooks, un’iniziativa lanciata per sostenere il lavoro di artisti emergenti e a metà carriera, il centro ha incaricato il giovane scultore di Brooklyn Brandon Ndife di creare l’opera site-specific Shade Trees (2022). L’opera, circondata da aceri, amalgama diversi oggetti domestici in una pila piramidale, facendo concettualmente riferimento a studi urbanistici che hanno mostrato una discrepanza tra il numero di alberi piantati nelle comunità ricche e più povere.

Spencer Sweeney: Perfetto
Fino al 15 settembre presso la Brant Foundation, 941 North Street, Greenwich, Connecticut

L’artista americano ed ex musicista noise e house Spencer Sweeney presenta una serie di dipinti avvincenti per la mostra estiva della Fondazione Brant, da autoritratti evocativi a composizioni nane che ironicamente ma magistralmente accennano a motivi storici dell’arte, da bagnanti e odalische al taglio di Matisse. out. Una galleria in stile salone al piano superiore presenta diversi dipinti simili a poster che onorano la miriade di muse eclettiche ma prevedibilmente alla moda di Sweeney, che vanno dal designer Telfar Clemens, la mente dietro le onnipresenti borse che sono state chiamate “Bushwick Birkin”, al compositore minimalista Philip Glass e l’influente band anarco-punk britannica Crass. Sweeney spiega il titolo della mostra come un’idea filosofica che “contempla le sfide nella piena accettazione della vita nella sua interezza, incluso ovviamente l’imperfetto”. I dipinti psicologicamente elettrizzanti in esso contenuti, in particolare gli autoritratti, mirano a rappresentare i “momenti difficili lungo il percorso del processo creativo – che alla fine, e con una certa prospettiva – potrebbe anche essere perfetto”.

Rodin negli Stati Uniti: Confronting the Modern
18 giugno-18 settembre presso The Clark Art Institute, 225 South Street Williamstown, Massachusetts

Il Clark è riuscito sorprendentemente a produrre una nuova borsa di studio su Auguste Rodin in questa mostra. Una delle prime mostre complete incentrate sull’eredità di Rodin negli Stati Uniti, presenta circa 50 sculture e 25 disegni che illustrano i commercianti, collezionisti, storici dell’arte e critici che hanno svolto ruoli chiave nel contestualizzare il lavoro di Rodin a un pubblico non europeo. Lo spettacolo esplora i flussi e riflussi della sua traiettoria negli Stati Uniti. Ripercorre eventi come l’acquisizione da parte del Metropolitan Museum of Art del Busto di San Giovanni Battista (1888) – la prima acquisizione di Rodin effettuata da un museo americano, donata al Met nel 1893 dal mercante d’arte Samuel P. Avery – all’eventuale museo costruzione della sua amata galleria Rodin. “Gli Stati Uniti, dopo la Francia, sono il paese in cui Rodin è meglio rappresentato nella scultura – terracotta, gesso, marmo o bronzo – così come nel disegno”, afferma Antoinette Le Normand-Romain, studiosa di Rodin e curatrice ospite del esposizione. “La storia di queste collezioni, pubbliche o private, costituisce una storia del gusto i cui capricci fanno parte della storia della modernità.”

Frank Stella: Scultura
25 giugno-1 novembre presso The Ranch, 8 Old Montauk Highway, Montauk, New York

Il Ranch, un bucolico complesso di Montauk trasformato in un’oasi d’arte dall’ex erede della Marlborough Gallery Max Levai, presenterà una serie di sculture monumentali di Frank Stella nella sua mostra stagionale. I lavori risalgono al 1993 e dopo, quando Stella ha iniziato a utilizzare tecniche di disegno assistita da computer per creare opere tridimensionali che hanno ampliato la sua pratica dalla pittura hard-edge. La mostra include una scultura colossale che non ha mai lasciato lo studio del magazzino di Stella nello stato di New York, un’opera in acciaio inossidabile e acciaio al carbonio intitolata The Cabin, Ahab, & Pip (1993) in cui i visitatori possono entrare fisicamente. La mostra comprende anche opere che in precedenza erano state al centro di importanti indagini museali dedicate all’artista, tra cui l’Aldrich Contemporary Art Museum e il Whitney Museum of American Art. La parte interna della mostra chiuderà il 3 agosto, mentre la presentazione all’aperto resterà aperta fino all’autunno. Prima della mostra di Stella, Levai ospita una mostra di opere del prolifico pittore tedesco Werner Büttner, che ha viaggiato dall’Hamburger Kunsthalle.

Gilardi: Tappeto-Natura
Fino al 9 gennaio 2023 al Magazzino Italian Art, 2700 Route 9, Cold Spring, New York

Questa ampia rassegna dedicata all’artista italiano torinese Piero Gilardi si concentra su un corpus di opere che l’artista iniziò a metà degli anni ’60 chiamato “tapetto-natura”, o “tappeto della natura”, che riflette sulla fragilità della natura in mezzo all’accresciuta industrializzazione e il ruolo dell’arte nell’aumentare la consapevolezza delle questioni ecologiche. Le sculture in poliuretano altamente stilizzate catturano scene della costa ligure, giardini all’italiana e altri habitat. Gilardi, che una volta era rappresentato da Sperone Westwater e Sonnabend, ha tenuto mostre a New York negli anni ’60 ma è caduto nell’oscurità dopo essersi preso una pausa dal mondo dell’arte per concentrarsi sul suo coinvolgimento nei movimenti italiani di giustizia sociale. “Gilardi aveva valori forti in termini di comunità ed ecologia, ma anche responsabilità e quale può essere il ruolo di un artista”, afferma il direttore del Magazzino Vittorio Calbrese, che ha co-organizzato la mostra con la storica dell’arte Elena Re. “Il messaggio è internazionale, cooperativo, estremamente positivo, stimolante e rilevante mentre il mondo continua a dialogare sul cambiamento climatico”. I visitatori di Magazzino vedranno anche l’involucro di un nuovo edificio nel campus, parte di un importante ampliamento del centro Art Povera guidato dall’architetto spagnolo Miguel Quismondo che sarà inaugurato il prossimo anno.

Roberto Lugo: Il vasaio del villaggio
Fino all’8 gennaio 2023 presso Grounds for Sculpture, 60 Sculptors Way, Hamilton, New Jersey

“Uno dei motivi per cui ho messo dei ritratti su questi vasi è guardare alla storia e ricontestualizzare il vaso in ceramica”, ha detto alla rivista Interview l’artista ed educatore Roberto Lugo nel 2020. “Quello, e davvero tutti gli oggetti decorativi che sono stati usati solo per i ricchi”. Nel corso degli anni i suoi audaci vasi e teiere hanno reso omaggio a personaggi come il rapper Tupac Shakur, l’atleta Colin Kapernick, l’attivista per i diritti civili Frederick Douglass e vittime della violenza della polizia tra cui Michael Brown. Per Lugo il punto non è solo introdurre le immagini e le storie delle persone di colore a materiali e forme da cui sono state a lungo escluse, soprattutto in Occidente, ma anche avviare conversazioni su quelle persone, la loro esclusione e la storia della ceramica e oggetti domestici. “Quando faccio una teiera, penso all’accessibilità di quella particolare nave”, ha detto Lugo a Interview. “Di solito quando le persone si siedono e bevono il tè, c’è più di una persona e succede intorno a una conversazione”. È stato artista residente a Grounds for Sculpture nei mesi precedenti a questa mostra, durante i quali ha eseguito diverse opere su larga scala e un pezzo monumentale. Ha anche curato una mostra complementare, Fragile: Earth, con opere dei suoi mentori e artisti di cui lui, in qualità di professore di ceramica alla Tyler School of Art and Architecture di Filadelfia, ha fatto da mentore.

Leslie Hewitt
24 giugno 2022-5 giugno 2023 a Dia Bridgehampton, 23 Corwith Avenue, Bridgehampton, New York
Nella proprietà della Dia Art Foundation negli Hamptons, un’ex caserma dei pompieri che è poi diventata una chiesa battista prima di essere trasformata dall’artista Dan Flavin, l’artista newyorkese Leslie Hewitt continuerà quest’anno la sua ricerca del suono e della scultura post-minimalista -lunga mostra e performance di accompagnamento. All’interno della galleria dell’edificio ci saranno tre sculture in bronzo che fanno riferimento alle tre baie che formano l’estremità orientale di Long Island. All’esterno dell’edificio, una figura in bronzo opaco in cima a un masso di provenienza locale punta verso il cielo. Nell’ambito della mostra, Hewitt ha collaborato con l’artista e musicista Jamal Cyrus su una partitura, che sarà presente in galleria tramite un monitor. Per tutta la durata dello spettacolo, nei luoghi di New York City e Long Island, i musicisti Rashida Bumbray-Shabazz, Jason Moran e Immanuel Wilkins offriranno le proprie risposte musicali alla colonna sonora di Hewitt e Cyrus.

52 artisti: una pietra miliare femminista
Fino all’8 gennaio 2023 presso l’Aldrich Contemporary Art Museum, 258 Main Street, Ridgefield, Connecticut

Nel 1971, l’Aldrich ha aperto Twenty Six Contemporary Women Artists, una mostra storica curata dalla critica d’arte e curatrice femminista Lucy R. Lippard che mette in evidenza le opere di artiste emergenti con sede a New York, tra cui Adrian Piper, Alice Aycock e Howardena Pindell. Nell’introduzione al catalogo di accompagnamento, Lippard ha scritto che curare la mostra era stata “un’esperienza esaltante e deprimente; esaltante perché ho visto tanta forza personale ed estetica, tanto più buon lavoro di quanto avessi sospettato; deprimente per lo spettacolo di tante donne combattute tra la cosiddetta femminilità e il loro lavoro (una scelta che, si spera, presto sarà superata), e perché non riuscivo a vedere abbastanza, perché dovevo dare giudizi e scelte e restringere giù diverse centinaia di artisti a 26”. Ora, 51 anni dopo, l’Aldrich ha raddoppiato il numero di artisti e ha ampliato il gruppo ad artisti che identificano le donne e non binari, riunendo opere di artisti dello spettacolo originale e una nuova generazione di artisti, tra cui Erin M. Riley, Ilana Harris -Babou e Tourmaline, con la selezione contemporanea curata da Amy Smith-Stewart, curatrice senior di Aldrich.

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