28 Giugno 2022 19:11


Breyer P-Orridge: We Are But One, Pioneer lavora presso Red Hook Labs, fino al 10 luglio

Questa è la prima mostra istituzionale del lavoro di Genesis Breyer P-Orridge da quando l’artista ha lasciato il suo corpo, come avrebbe detto lei, il 14 marzo 2020, pochi anni dopo aver ricevuto una diagnosi di leucemia terminale. È anche la prima mostra istituzionale incentrata su quella che potrebbe essere l’opera magnum del compianto artista, il progetto Pandrogyne. Il progetto prevede che P-Orridge si imbarchi con la partner romantica e artistica Jacqueline Mary Breyer, meglio conosciuta come Lady Jaye, in una serie di interventi di chirurgia estetica per assomigliare sempre di più, tentando di bussare alla porta della fusione in un essere singolare che sfidava la categorizzazione .

La mostra comprende fotografie che documentano le trasformazioni fisiche della coppia, immagini in cui le appendici dei loro corpi si fondono in una singolarità, oltre a sculture, disegni, video e collage. Quest’ultimo è stato al centro del progetto Pandrogyne. Ispirato dalla tecnica del “cut-up” sostenuta da William S. Burroughs e Brion Gysin, amici e mentori di P-Orridge, il collage è diventato una metafora appropriata di come vivere nel modo organico e onnicomprensivo immaginato dal progetto Pandrogyne.

Lorenza Böttner: Requiem for the Norm, Leslie-Lohman Museum of Art, fino al 14 agosto

La defunta artista transgender cileno-tedesca Lorenza Böttner (1959-94) ha avuto un incidente all’età di otto anni che le ha provocato l’amputazione di entrambe le braccia. Ha rifiutato le protesi e ha lasciato l’istruzione specializzata per iscriversi alla scuola d’arte, dove ha iniziato a lavorare con la bocca e i piedi per creare dipinti e disegni che sfidavano la percezione delle persone disabili come esseri umani privi di potere e desessualizzati.

Böttner ha detto che è diventata una “esibizionista” a causa della sua disabilità e ha organizzato centinaia di esibizioni dal vivo negli Stati Uniti e in Europa durante la sua vita; alcuni di loro sono mostrati in video ricoperti da sagge parole dell’artista sull’accettazione di sé radicale. Oltre a ritagliarsi uno spazio per artisti disabili, la traiettoria di Böttner esemplifica l’edificante adagio che l’arte è uno strumento di autorealizzazione. “Non basta pensare a un’idea o semplicemente credere in un’idea, bisogna viverla”, ha scritto Böttner in una dichiarazione sul suo sviluppo artistico. “L’artista può realizzare questa azione creando.”

Black Atlantic, Brooklyn Bridge Park, Brooklyn, fino al 27 novembre

Situata lungo il lungomare di Brooklyn, questa mostra del Public Art Fund, co-curata dall’artista Hugh Hayden, prende come punto di partenza l’omonimo libro del 1995 che enfatizzava le identità ibride e le pratiche culturali create dalle reti transatlantiche. Hayden, e Leilah Babirye, Dozie Kanu, Tau Lewis e Kiyan Williams, hanno creato opere che rispondono a quelle esperienze diasporiche e al sito, all’interno di un porto che era un hub per il commercio transatlantico di zucchero, cotone e schiavi. Williams fa riferimento a questa storia direttamente in Ruins of Empire, una statua di terracotta progettata per trasformarsi nel corso dello spettacolo. La sua forma si basa su una statua a Washington, DC che raffigura la figura allegorica della libertà, sebbene sia stata creata in parte grazie al lavoro di persone ridotte in schiavitù. La rivisitazione della figura di Williams sottolinea le molte carenze di quel simbolismo.


Guadalupe Maravilla: Tierra Blanca Joven, Brooklyn Museum, fino al 18 settembre

L’artista salvadoregno-americano Guadalupe Maravilla descrive le sculture della sua serie Disease Throwers come “strumenti di guarigione” ispirati ai trattamenti di terapia del suono che, secondo lui, hanno aiutato la sua guarigione dal cancro. Le opere simili a santuari sono intrise della mitologia Maya; sono assemblati con vari materiali organici e manufatti e hanno un gong funzionale al centro, formando un vaso acustico le cui vibrazioni si dice abbiano qualità curative. Le sculture verranno attivate in una serie di bagni sonori dal vivo e vengono mostrate insieme a nuovi dipinti di Maravilla e manufatti Maya da lui selezionati dalla collezione del Brooklyn Museum, come figurine di ceramica, trombe di conchiglie e altri oggetti rituali. Il titolo della mostra, che si traduce in “giovane cenere bianca/terra”, fa riferimento a un’eruzione vulcanica del V secolo nell’attuale El Salvador che ha spostato le comunità Maya; simboleggia anche la tumultuosa migrazione di Maravilla negli Stati Uniti da bambino negli anni ’80 e critica il continuo spostamento dei migranti negli Stati Uniti.

Louise Bourgeois: Paintings, Metropolitan Museum of Art, fino al 7 agosto

Sebbene Louise Bourgeois (1911-2010) sia meglio conosciuta come scultrice, questa mostra curata da Clare Davies, curatrice associata di Arte moderna e contemporanea al Met, pone i suoi primi sforzi nella pittura come cruciali per comprendere tutto ciò che è seguito. La mostra si concentra sulla sua produzione tra il suo arrivo a New York nel 1938 e il suo rifiuto totale della pittura nel 1949, evidenziando forme e temi, come spazi domestici e figure femminili ibride, che avrebbero assunto nuove dimensioni con l’evoluzione della sua pratica.

La mostra dimostra anche fino a che punto Bourgeois, prima di diventare una scultrice singolare, fosse impegnata in conversazioni contemporanee sulla pittura modernista, dall’influenza persistente del Surrealismo agli approcci in erba all’astrazione. “Ad oggi, non è molto noto che Bourgeois sia stato attivo come pittore a New York per dieci anni, un periodo in cui la città è diventata un centro internazionale vitale nel mezzo di dibattiti critici sulla pittura”, afferma Sheena Wagstaff, presidente uscente di Modern del Met e arte contemporanea. “Questa mostra rivela il DNA fondamentale dello sviluppo dell’artista di temi che in seguito sarebbero germogliati in tre dimensioni e l’avrebbero occupata per il resto della sua lunga carriera”.

Whitney Biennial 2022: Quiet as It’s Kept, Whitney Museum of American Art, fino al 5 settembre

Più di ogni biennale nel nuovo edificio del Whitney (questo è il terzo), Quiet as It’s Kept ha fondamentalmente rifatto l’architettura interna del museo. I co-curatori dello spettacolo David Breslin e Adrienne Edwards, entrambi del Whitney, hanno citato il crollo del senso del tempo e l’aggravarsi delle crisi politiche, sanitarie e umanitarie degli ultimi tre anni: hanno iniziato a lavorare a questa biennale, originariamente prevista per l’apertura l’anno scorso , nell’anno relativamente calmo del 2019, come influenze non solo sulla loro selezione di 63 artisti e collettivi, ma anche sul modo in cui le loro opere sono installate.

Il grosso della biennale si svolge al quinto e sesto piano del museo, e i due non potrebbero essere più distinti. Il livello inferiore è una sala ampia e piena di luce senza pareti divisorie, dove brillano opere luminose di Alex Da Corte, Dyani White Hawk e altri. Il sesto piano, al contrario, è quasi interamente buio, costituito da una serie di nicchie poco illuminate ea volte claustrofobiche con pareti e moquette nere, adatte per accogliere opere lugubri di artisti del calibro di Coco Fusco e Rebecca Belmore. In linea di massima, questo dualismo architettonico corrisponde al tenore delle opere di ogni piano. Al quinto piano si trovano generalmente opere colorate, giocose e meditative, mentre il sesto ospita molte delle opere più cupe e inebrianti della mostra.

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